jueves, 29 de enero de 2009

Bestué /Marc Vives y Leopoldo Kessler.

Vengo de la presentación a la prensa (29.0109), en el Centro 2 de Mayo de Móstoles, de dos exposiciones. La primera es de Leopold Kessler, un artista austríaco que ya estuvo en Madrid, en el marco del proyecto Madrid Abierto 08 y que ahora regresa con esta potente exposicion en la que queda claro que él es tambien alguien que como husmea. Sólo que él lo hace en los intersticios de los espacios publicos, donde ocurren esa clase de episodios que jamás saldrán registrados en los diarios o en la tele y que son del tipo de encontrar de sopetón en uno de los parques que bordean el Danubio en Viena, las nuevas bancas públicas acompañadas por la viejas, que los encargados de la limpieza del municipio no se han llevado todavía. O la limpieza con chorros de jabón líquido, oficio compartido por los homeless que por un dólar limpia los parabrisas de una calle de Manhattan con quienes en los cuartos de baño de restaurantes de lujo neoyorquinos, dan jabón a las manos de los clientes y mantienen la higiene del cuarto a cambio de lo que quieran dar los clientes. Kessler, además, es amigo de Loreto Alonso, una de las integrantes del colectivo CASITA, a quién él conocio en Munich hace diez año y con quien se encontró de nuevo en Viena, hace una semana, en el transcurso de una gira de trabajo que este colectivo realizó a Austria. Entre estos dos artistas existe una verdadera empatía, tanto por lo que hacen como por lo que piensa: el trabajo de Kessler me parece que es un muy buen ejemplo del tipo de produccion artistica que Loreto conceptualizo en su recient tesis doctoral como ´ producción invertebrada´

miércoles, 28 de enero de 2009

Día de encuentros.

Esta tarde (28.1.09)me encuentro, por casualidad, con Santiago Sierra, y juntos recorremos la seccion del fnac dedicada al cine, donde él encuentra en una de las estanterías Soy Cuba, el documental sobre Cuba de Mijail Kolatzov, que permanecia inédito hasta que lo descubrieron Martin Scorsecse y Francis Ford Coppola, que lo consideran, además, una obra maestra. Él compra una copia y yo otra y luego nos vamos a tomar un café en un bar cercano. Hablando con Santiago sobre Boris Groys caido en cuenta de repente que el reciente informe de Manuela Mena - especialista en Goya del Museo del Prado - desmintiendo que el cuadro El coloso sea de Goya es en el fondo un acto dadaista ejecutado eso sí cumpliendo todas las formalidades de un informe de esa naturaleza. El cuadro se queda, como su autoría, en el limbo, justamente ahora cuando todas las noticias e imágenes optimistas y tranquilizantes que nos llegan de la capital del Imperio no logran conjurar sin embargo un ubicuo desasosiego colectivo cuya mejor alegoria podría ser justamente ese cuadro. Tan potente, tan inquietante, pero que ya nunca mas podrá ser contado en el corpus de Goya junto con las pinturas negras y Los desastres de la guerra.
Y fue la mención de Groys la que me sugirio lo del ´acto dadaista ´porque el autor ruso sostiene que la momia de Lenin implantada por Stalin en la Plaza Roja es un objete trouvé. Por lo demás para este filosofo ruso - autor de ´La obra de arte total Stalin¨, recientemente traducido al castellano - el estalinismo realizó muchas ideas y propuestas de las vanguardias artisticas de la época. Pero no solo él. Ni solo en los ahora remotos años 30, 40 y 50 del siglo pasado. De hecho el teatro politico americano hace lo propio con ideas y propuestas de las vanguardias artísticas de la posguerra.

lunes, 26 de enero de 2009

Alicante y El Cairo ahora.

El viernes y el sábado pasados(23,24.01.09) estuve en Alicante, en la inauguración de la exposición ´De una parte a la otra ´, que tuvo lugar el viernes en la tarde, en las salas de exposiciones del Ayuntamiento alicantino, situado en la antigua sede la Lonja de pescado de este histórico puerto mediterráneo. El título de la muestra remite a un proyecto que llevó en noviembre pasado a 6 artistas alicantinos a exponer en el Gezira Art Center de El Cairo y trajo ahora a 6 artistas cairotas a exponer, junto con los seis alicantinos en la Lonja. O sea, un proyecto inspirado en el propósito de establecer relaciones horizontales entre los extremos del mar Mediterráneo que comparten tantas cosas en común, entre ellas, el legado islámico. Alacant, el nombre árabe del que deriva Alicante, significa en esa lengua, gran piedra o peñasco. O por lo menos eso fue lo que me explicó, durante la cena que siguió a la inauguración, Hamdy Reda, uno de los jóvenes artistas cairotas incluidos en este proyecto.
La autora intelectual de este viaje de ida y vuelta es Begoña Martinez Deltell, una curadora y galerista, que se esforzó porque el mismo pusiera el énfasis en el arte actual y no exclusivamente en la pintura, como habría podido ser. Yo fui a la inauguración porque, a peticion suya, escribi un texto para el catálogo. Y gracias, igualmente, a su invitación, fui al día siguiente de la inauguración a comer a su casa, una casa de campo situada a unos 30 kilometros de Alicante, a donde con la artista Eugenia Funes y de Paco, su marido, en un coche batido durante todo el recorrido desde mi hotel junto al puerto deportivo hasta la casade Begoña por vientos de 90 kilómetros por hora. Mientras las quince personas que nos juntamos comíamos en el porche una magnífica paella cargada de verduras el viento amenazaba con romper los cristales y con arrancar de cuajo los árboles del jardin, como ya habia arrancado tantas cosas en el camino que nos llevó a la casa de Begoña.

domingo, 25 de enero de 2009

El teatro del imperio.

Alguien dejó escrito, a propósito de la Atenas clásica, que el teatro y la democracia van juntos. Y aunqe es seguro que esta generalizacion no resiste el contraste con los resultados de la investigacion positiva las formas características exhibidas por los poderes democráticos a lo largo de la historia, hay en ella un poso de verdad, actualizado por la doble puesta en escena de la posesión de Barack Hussein Obama en Washington (20.01.09). Eso sí que fue teatro y de una manera y a una escala que ni siquiera pudo imaginar Bertolt Brecht cuando en su Diario calificó de ´ teatro épico´ las imágenes fotográficas de las actuaciones de Hitler y Mussolini en los escenarios grandielocuentes y multitudinarios del poder fascista. Cierto, una cosa es la democracia moderna y otra distante el fascismo, aunque la administración Bush haya hecho tanto por acercar y confundir a la una con el otro. En las ceremonias masivas protagonizadas por Obama en Washinton de estos días de enero habia, sin embargo, masas, verdaderas masas. Eso sí, de dos tipos por lo menos. Estuvieron las masas presenciales, formadas por los dos millones de personas que ocuparon en dos jornadas consecutivas el eje del Mall de Washington - la primera vez orientadas hacia el Lincoln Memorial y la segunda hacia el Capitolio. Y luego estuvieron,, estuvimos las masas telemáticas: los millones, los cientos de milllones de espectadores de la televisión de todo el mundo, que vimos en vivo y en directo un espectáculo del cual hacían parte tambien como actores, los millones reunidos en el Mall, soportando a la intemperie unas inclementes temperaturas invernales, interpretando estoicamente el entusiasmo y la fidelidad.
Pero ¿ qué vimos y escuchamos quienes estábamos fundidos en esas dos clases de masas? La primera vez, un espectáculo fue como un concierto de musica pop y rock en la television, con las mismas estrellas y las mismas canciones, en el que la intervención efectiva de los musicos estuvo preceptivamente interrumpida por los ´ cortes publicitarios ´ que fueron los discursos políticos, a los que se añadió la reafirmacion ritul del águila de cabeza blanca - simbolo del Imperio - y de sus ojos, su pico y sus garras poco o nada simbólicas: las omnipresentes fuerzas armadas de los Estados Unidos de América.
En la segunda jornada el espectáculo fue de un corte mucho mas tradicional, porque al fin y al cabo la ceremonia de posesión de un presidente norteamericano debe someterse aún al texto de un protoloco estrictamente legal, incluido un juramento del nuevo presidente, cuyo texto fue trastocado, voluntaria o involuntariamente, por John Roberts - presidente del Tribunal Supremo - produciendo el traspies mas notorio de la ceremonia.
Hubo, sin embargo, en ambos episodios un componente común, que en realidad es la clave de toda la teatralidad imperial americana: la escena y los personajes familiares. Obama es el lider de la campaña electoral mas innovadora de América por su arrolladora utilización del internet, es el primer presidente negro de un pais cuyos cimientos fueron construidos en buena parte por la esclavitud y él es el actual responsable de gobernar el Estado y el sistema económico mas poderoso del planeta, pero es tambien - y en un plano de visibilidad eminente - un padre de familia. El marido atlético, sano y muy laborioso de Michelle, el padre de Sasha y Malia, el hijo de Barack - el africano que vino de Kenia para regresar a ella y desaparecer para siempre - y de Ann - la hawaina amante desde siempre de las tierras y los pueblos exóticos. Las puestas en escena en Washington del irresistible ascenso de Obama, mostraron una vez mas hasta qué punto el teatro político americano necesita de guionistas de la pulp fiction antes que de trágicos a la Shakespeare.

jueves, 22 de enero de 2009

Críticos ante el espejo.

Alguno de esos días en los que me levanté de la cama pensando que podria ser Pascal acuñé esta sentencia inapelable: ¨ Dime qué artista te gusta y te diré quien eres ¨. La acuñé y la olvidé: era, es demasiado banal. Y si ahora me ha vuelto súbitamente a la memoria es porque esta mañana (22.01.09) asistí a la presentación a la prensa de la exposicion ´Aqui. 4 fotógrafos desde Madrid ´ en el depósito elevado del Canal de Isabel II de Madrid. Cuatro fotógrafos y cuatro criticos habria que agregar porque cada uno de los artistas fue seleccionado por solo un crítico. Y como la exposición - que se llevará en marzo a Milán - carece de otro argumento que no sea el de que los cuatro fotógrafos ven, actúan y producen desde Madrid, no queda mas remedio que concluir que cada uno de esos artistas es simplemente el elegido de cada crítico. Imposible una simpatía mayor e inimaginable una situacion que mejor se preste a la aplicación de mi dichosa sentencia: cada critico es como el artista que prefiere. Aplicándola se puede obtener un resultado como el siguiente: Carlos Urroz es un depredador impenitente de imágenes urbanas, como su artista: Ricardo Cases. Lorena Martinez es amante de pegar brochazos donde se tercie, como su artista: Miren Duiz. Ferrán Baremblit va de antropologo del pueblo, como su artista: Angel de la Rubia. Y a José Girao le gusta el rococó al precio que sea, como a su artista: Miguel Ángel Tornero.

miércoles, 21 de enero de 2009

Santiago Zannou y la ciudad genérica.

Santiago Zannou - hijo de padre africano y madre española y nacido en Madrid hace 31 años - estrenó hace unos pocos días su opera prima, el largometraje ´ El truco del manco ´, una dura historia protagonizada por marginales situada en la banlieu, o en los barrios del extraradio si se prefiere, de esa ciudad a la que el arquitecto holandés Rem Koolhaas calificó de ´ciudad genérica ´, en un célebre ensayo del mismo titulo publicado en los años 90 del siglo pasado. En ese entonces aún dominaban la escena de la arquitectura europea las teorías que leian a la arquitectura de la ciudad como la depositaria de una memoria histórica que quedaria seriamente dañada si se destruía o se la modificaba hasta el punto de hacerla irreconocible. Koolhaas se atrevió a desafiar esa tesis, sosteniendo que lo que ya era una evidente internacionalizacion de los mismos patrones arquitectónicos y urbanísticos a escala global no era un factum trágico sino el resultado de una voluntad consciente, deliberada, que, en las cuatro esquinas del planeta, rechazaba el ´caracter ´y apostaba, en cambio, por lo genérico, por lo común, por lo transitivo y homologable. Y, la verdad, es que así resulta la ciudad que sirve de telon de fondo y de escenario exclusivo a la película de Zannou - nacido en el barrio madrileño de Carabanchel alto, que emigró a Barcelona donde estudió cine - podría ser tanto Madrid como Barcelona. E inclusive Marsella o Paris, como sugerí al comienzo, hablando de la banlieu.
Lo que Koolhaas no advirtió o por lo menos no le prestó la atención debida en su ensayo fue a la clase de humanidad que habita en los extrarradios, mayoritariamente inmigrante, extranjera, mestiza, que se busca la vida como puede, al márgen de la main stream de la vida social estatalmente organizada y que, sin embargo, contiene un potencial de creatividad, energía y una carga de futuro que diría el poeta que es casi un delito seguir sofocando y desperdiciando. ¿ Será que ahora, cuando por primera vez es negro e hijo de un inmigrante el emperador de Occidente, mejoraran las posibilidades de que la gente del extrarradio pueda finalmente realizarse sin luchar contra tantisimos impedimentos ?

Antonio López contraataca.

Vengo de recibir la noticia(21.01.09) de que el pintor manchego Antonio López pintará una de las bóvedas de la catedral de la Virgen del Pilar de Zaragoza, y me echo a temblar. Y no sólo por el precedente muy cuestionable representado por el mural en cerámica con el que Miquel Barceló afeó una de las capillas de la espléndida catedral gótica de Palma de Mallorca, sino porque - según la información citada - su propósito es cubrir esa bóveda con un enorme retrato de la Virgen. Y la verdad es que del gigantismo de Antonio López ¡ líbramos Señor! Todavía recuerdo el ´temor y temblor ´que recorrió a los círculos del arte y la arquitectura de Madrid, cuando se conoció el proyecto del pintor manchego de erigir un coloso desnudo en bronce, bajo cuyas piernas circularían los coches en una de las glorietas de la Avenida de la Ilustración, entonces en construcción. Al final, las autoridades le negaron esa satisfacción a la megalomanía de López y optaron, en cambio, por una escultura de arcos sucesivos en acero cromado de Andreu Alfaro, que es la que ahora cubre la mencionada glorieta. Esa escultura podrá ser trivial pero no es ofensiva. De quiénes nuestro afamado pintor sí obtuvo el beneplácito fue de las autoridades que le permitieron construir e instalar hace poco en dos espacios de la Estación Atocha - uno de embarque y otro de desembarque de pasajeros- un par de réplicas en bronce de la cabeza de su nieta, que más que monumentales son abrumadoras. Y un punto siniestras, como puede comprobarse viendo en la exposicion que la galeria Leandro Navarro dedica actualmente a los realistas, las versiones a pequeña escala que Antonio López ha realizdo de esa misma cabeza. Son pequeñas y quieren evidentemente ser fieles al modelo y ciertamente delicadas pero, lo siento, resultan siniestras: las máscaras funerarias involuntariamente prematuras de una niña que, afortunadamente, aún está viva.
La otra parte del proyecto en la catedral del Pilar lo compone un grupo escultórico - que quedará para siempre en representación de los fieles - y que va a realizar el escultor Francisco López. Supongo que cada una de esas figuras en bronce seran de escala humana y supongo, además, que el escultor las diseñará, moldeará y fundirá con arreglo a su arte y su estética realistas. Lo que no alcanzo a imaginar es cómo evitará el riesgo de que resulten tan anodinas como me han resultado hasta ahora las escultuas suyas que conozco.
Antonio López ha declarado que su proyecto quiere unir lo terrenal con lo celeste, los cuerpos con el Espíritu, pero, contando sólo con el anuncio de sus intenciones, mucho me temo que al final ese proyecto puede resultar la unión de la trivialidad con la megalomania. Ojalá me equivoque.

martes, 20 de enero de 2009

El dibujo como ética

¨ Cuando aire y nubes ¨ es el título de la exposicion de Juan Zamora abierta actualmente (20.01.09) en la galeria Moriarty de Madrid. Y es cierto que está llena de aire y de nubes, sólo que hay muchisimo mas aire que nubes y que las nubes son, en realidad, el perfil sumario de los cerebros de las figuritas humanas que pueblan con su ingrávida brevedad las salas de la galería, agigantadas hasta extremos ciclópeos por el contraste con sus minusculos ocupantes. La exposicion es en definitiva una celebración del dibujo reducido a su mínima expresión: la de la linea que se basta y se sobra a si misma para construir potentes imágenes. Se puede citar a William Kentdrige como otro de los artistas que juega actualmente todas sus cartas al dibujo, sólo que sus dibujos animados resultan opulentos e inclusive barrocos si se comparan con estos de Juan Zamora, mucho más cercanos en su ascetismo a los de Joseph Beuys o a los de Luis Ospina. Kentdrige nos quiere contar una historia de tal manera que no nos quede ninguna duda de la misma. Zamora, en cambio, apenas deja caer unos cuantos indicios para que, si queremos o podemos, la imaginemos. Hay en su arte no sólo una estética sino tambien una ética que quizás podría servirnos de Hilo de Ariadna para salir del laberinto hipertrofiado de imágenes en la que nos tiene atrapados la sociedad del espectáculo.

domingo, 18 de enero de 2009

La pornografía o la fantasía de la libertad.

La stripper Daniela escenificó el pasado 2 de enero(02.01.09) un espectáculo erótico en la cárcel de Picassent de la comunidad valenciana, que ha dado lugar a una agria polémica pública, en la que entrecruzan los argumentos en pro y en contra de la descalificación y al límite la censura del mismo. ¨ No nos parece un espectáculo adecuado para un público recluso ¨. Con esa declaracion de Mercedes Gallizo, directora general de prisiones han estado de acuerdo desde CC OO al delegado del gobierno del Gobierno de la Comunidad Valenciana, pasando por el propio Cánovas [ portavoz de la Secretaría de Instituciones Penitenciarias, Cj]. ¨ Lamento lo ocurrido, pido disculpas `[ sic] por ello, no tuve conciencia de que el montaje que se había anunciado tenia el caracter que tuvo¨asegura Cánovas. Pecó de ingenuo, dice. ( ¨ El porno de Daniela incendió la cárcel ¨, El País, Madrid, 18.01.09) La que no está para nada de acuerdo, sin embargo es la stripper Daniela, cuyo actuación no fue pornografía en strictu senso porque consistió en un strip tease que ella adorno con las contorsiones y los movimentos consabidos, incluido en el untarse el cuerpo con crema de leche. A ella las críticas le parecen totalmente machistas: ¨ Es impresionante que se haya declarlado tal polémica - declara en el artículo del diario El País antes citado - cuando el mismo espectáculo se representó protagonizado por Rafa para las mujeres presas, se desnudó, se exhibió y nadie dijo absolutamente nada. Es inaceptable. Es inaceptable. Es machista. Y es un ejercicio de doble moral¨.
La polémica rebasa, obviamente el marco carcelario e institucional y remite al estatuto de la pornografia en esta sociedad que se supone es la de la escopofilia total, la de la circulación ininterrumpida y tendencialmente infinita de imágenes, de cuya poderosa fascinación no podemos aparentemente sustraernos. Pero si literalmente todas las imágenes están a nuestra disposición ¿ porqué seguimos poniendo objecciones o, por lo menos, restriciones a la divulgación de las imágenes pornograficas? ¿ Porqué siguen siendo todavia ofensivas? Los moralistas de toda laya - desde el Vaticano hasta el feminismo radical - tienen desde luego respuestas a estas preguntas. Pero yo quiero exponer una dictada tanto por ´ el caso Daniela ´como por ´ Los penetrados ´, la muestra de Santiago Sierra abierta actualmente en la galería Helga de Alvear de Madrid, dominada por un vídeo de 45 minutos de duración, dividido en 8 actos, en los que se ve a hombres y mujeres blancos y negros copulando de dos en dos y en todas las combinaciones raciales posibles. Mi explicacion es que el porno, más allá de la estricta literalidad gimnástica, mecánica si se quiere, a la que queda reducido deliberadamente en el video de Sierra, es un ejercicio fantasioso de la libertad que todos quisieramos tener para poder de copular sin las restricciones impuestas por la moral, las obligaciones laborales, los impedimentos legales, las convenciones sociales o nuestras limitaciones personales, sean del tipo que sean. El sexo que efectivamente practicamos es pura conciencia de la necesidad, que diria Hegel, y el que quisieramos tener, sobre el que fantaseamos sin que nos atrevamos a reconocerlo, es ese que escenifica la pornografia. Es un signo inquietante de esta época, marcada por el descontrol de las empresas y el control total de los indivudos que se les quiera negar a los presos hasta la satisfación imaginaria de sus fantasías sexuales.

Helena Almeida en Madrid.

Voy a visitar con retraso(15.01.09) la exposición de Helena Almeida, inaugurada semanas atrás en las salas de la Fundación Telefónica de Madrid y me quedo sorprendido. Y no porque no conociera de antemano su trabajo sino porque esta muestra tiene la virtud de ofrecer un conjunto tan amplio y consistente del mismo que me permite comprenderlo de una manera que no lo habían permitido hasta la fecha las muestras que he visto en diversas ciudades de España y de Europa durante mas de una década. Maldición y virtud de las exposiciones colectivas y de las muestras individuales excesivamente parciales: enseñan los resultados episódicos de la trayectoria de una artista pero satisfacen plenamente el deseo de conocer a qué propósitos y estrategias de largo plazo responden cada uno de ellos. La exposición de Telefónica sí que lo hace porque, entre otras razones, responde a una voluntad de recuperar los momentos iniciales de la trayectoria de esta notable artista portuguesa que se transparenta en la eleccion de su título - Tela rosa para vestir - que es el mismo de una exposición suya de 1969, marcada por su opción definitiva por la representación de sí misma por medio de la fotografía. Representacion y fotografia: esos dos términos nos resultan claves si asumimos que la ´ representacion ´ está cargada para ella de connotaciones teatrales que remiten no al drama burgués clásico sino al happening y a la performance, teatros paradójicos de ´ la muerte del teatro´. Y a condicion, igualmente, de que consideremos que para ella la fotográfia no es simplemente un recurso técnico que mejora o supera los dispositivos y las máquinas de visión previamente existentes. No. Para ella la fotografía constituye su estatuto efectivo en conflicto, en lucha, en polemica si se quiere con la pintura y - sobre todo - con el espacio que ella genera, tan distinto a los lugares propios de la pintura. Pero, en realidad, no son dos sino tres los términos de su arte: el tercero es la ella misma como sujeto de la clase de representación mencionada de la que es sin embargo el objeto privilegiado. Las obras de Almeida nos atraen sin que apenas podamos evitarlo al vórtice y al vértigo de su fascinante narcisismo.

lunes, 12 de enero de 2009

Nómadas en el embarcadero.

El diario El País de Madrid publica(11.01.09) una foto de doble pagina, sin mas firma que la de la agencia AFP, en la que se ve a una pareja treintañera, muy middle class, tumbados en el suelo, junto con una niña de 7 u 8 años y a un carrito de los dispuestos en los aerepuertos para que los viajeros acarrean comodamente sus equipajes. La foto ilustra un articulo que informa que 55.000 pasajeros han quedado atascados en Madrid en los últimos tres dias por causa tanto de una tormenta de nieve de violencia inusitada como por una huelga subrepticia de pilotos y de controladores aéreos. Pero, como toda imágen, es capaz de ir más allá de las intenciones de quienes la producen, editan y distribuyen, para constituirse en un revelador comentario a la propia arquitectura de la Terminal 4 del aeropuerto de Barajas, el lugar donde fue tomada. Esa arquitectura es ciertamente eficaz y muy potente desde el punto de vista formal, porque está evidentemente inspirada en la arquitectura de las jaimás árabes y magrebies y por eso tiene puede ofrecerse como una deslumbrante alegoría del nomadismo contemporáneo. Si el aeropuerto es un no lugar - que diria Marc Auger callándose la oblgada cita de Robert Morris - la T4 es un no lugar sobredeterminado por una alegoría del nomadismo contemporáneo que, de repente, en vez de embarcarse y fluir se embarranca. Se bloquea. Se paraliza sin que nadie sepa bien cuando va a ponerse de nuevo en marcha. Cierto: tambien a los nómadas del desierto del Sáhara los paralizan de golpe las tormentas de arena, tanto o mas feroces que las de nieve. La diferencia, sin embargo, consiste en que la relación de ellos con su propio deambular por el desierto no está mediada por los horarios y, en definitiva, por el cálculo, como si lo está la circulación de los viajeros por aeropuertos, trenes o autopistas. Los nómadas de hoy viajamos mas que nunca, pero llevamos a cuestas, como una tara y un superyo, todas las obligaciones de la identidad fija y la vida sedentaria. Vaya torsión, vaya tensión, vaya stress.

jueves, 8 de enero de 2009

La crisis como purga de imágenes.

La crisis como purga e inclusive como ese ´vomitivo ´que recomienda el critico Miguel Ángel Hernandez como medio de librarnos del empacho que nos ha producido el consumo desaforado de imágenes, la escopofilia rampante del agonizante paradigma posmoderno. ´ Eso es lo que viene o tendria que venir ´ me dije cuando terminé de leer ayer (07.01.09) el mail de la artista Marisa González en el que me comunicaba su desagrado con la exposición From one revolution to another, resultado de la carta blanca que le dieron los responsables del Palais de Tokio al artista Jeremy Deller, ganador del Turner Prize 2004, con un vídeo sobre un estado como Tejas tanto o más inquietante que ese Bush, promotor de todas las guerras. La expo de Deller pretende ser una revisión, en plan realismo sucio, de la historia que empezó con las factorías, o sea con la revolución industrial inglesa, y terminó con la Factoria, el taller de imágenes montado por Warhol en un Manhattan que estaba en vísperas de convertirse en la capital mundial de esa globalización financiera que ahora ha hecho crack de manera tan catastrófica. Pero si esta crisis es la crisis de una desaforada inflacion de los signos, si es la crisis de la mas intensa especulación del lenguaje de los signos jamás conocida por la historia ¿ el tipo de arte que acompañó su ascenso va a salir indemne de su caida? ¿ Vamos a continuar dando curso legal al arte basura de la misma manera que durante tanto tiempo se lo dimos a las hipotecas basura? ¿ O vamos, por el contrario, hacer un alto, tomar consciencia de la intensidad de nuestro delirio y asumir la crisis como la oportunidad de una buena purga e inclusive de la ingesta del vomitivo que nos hace falta para limpiar la retina y el cerebro de tantísima imagen espurea?

lunes, 5 de enero de 2009

blogs de artistas.

En estos días festivos dos artistas me han hecho llegar los links de sus respectivos blog. El primero de ellos es Lalo Borja, un fotografo y profesor de fotografía que vive y trabaja en Oxford, Inglaterra, cuyo blog es a la vez una galería de sus propias fotos y una colección de los textos que escribe a propósito de los mismos. Muy sentidos sus retratos, tanto fotográficos como literarios, del dramaturgo Enrique Buenaventura y del fotógrafo Fernell Franco, ambos de Cali, Colombia, como el propio Borja. Muy elogioso el texto escrito a propósito de la foto del escritor y critico John Szarkowski, el mítico director del departamento de fotografía del MoMA de Nueva York. Y muy lirico y convincente el breve ensayo que dedica a la exposición de la pintura de Francis Bacon, abierta actualmente en la capital británica. (http://laloborja-gmail.blogspot.com/ )
El otro blog es de la pintora Mareta Espinoza, quién lo ha inaugurado con el año y con la intención inicial, según me cuenta, de documentar el trabajo y las investigaciones que ha emprendido en torno al tema de los cementerios de ruedas de todo tipo de automóviles. Cementerios de los restos de un medio de locomocion que muy pronto pueden ser los mausoleos de todo un modo de vida, el modo de vida dominante en el siglo XX, tal y como ella misma escribe.(http://masarteymenosartistas.blogspot.com/ )

sábado, 3 de enero de 2009

Exploraciones teatrales de Francois Bucher.

Ayer (02.01.09) me encontré en Madrid con Francois Bucher y aprovechamos el encuentro para ver en su latop ¨ Severa vigilancia ¨ una pieza suya que documenta en un vídeo de doble pantalla una experiencia teatral única. Ocurrió hace algún tiempo en una de las universidades públicas de la ciudad de Medellin, cuando un grupo ensayaba ¨ Severa vigilancia ¨, una obra de teatro de Jean Genet claustrofóbica y violenta, cuyo contenido adquiria resonancias adicionales en el marco de la tensa situacion que vivía la propia universidad, donde ya habían asesinado varias personas las mismas bandas paramilitares que en las propias barriadas de la ciudad perseguían a muerte a los homosexuales. Ese día, sin embargo, ensayo fue alterado primero por unos disparos y luego por la violenta irrupción - en la sala donde el grupo trabajaba en el montaje de la pieza de Genet - de un trío: un joven ensangrentado, acompañado por dos encapuchados: un hombre y una mujer igualmente jóvenes. El encapuchado llevaba una pistola e inició un discurso vehemente en el que descalificaba a los artistas que se dedicaban a hacer un arte que ignoraba tanto los terribles padecimientos del pueblo colombiano como su lucha por liberarse de los mismos. Algunos de los presentes sugirieron que había que llamar a un médico o por lo menos llevar al herido a la enfermería de la universidad. El encapuchado, haciendo caso omiso de esos ruegos, se encaró con todos, los amenazó con su pistola y les dijo: ¡ todos contra la pared! Luego, dirigiéndose a uno de los actores, le preguntó: !Tú¡ ¿Como te llamas? ¨Eduardo¨, respondió el interpelado. Pero la mentira no le sirvió, porque sin decir ni una palabra más se lo llevaron. Lo ocurrido fue algo mas que la transgresión de una obra de ese gran transgresor que fue Genet. En realidad fue un episodio del teatro epico, una manera de ¨ reducir ¨ en el sentido alquímico, una traumática coyuntura política a los términos de una representacion teatral de algún término de la misma, cuya forma fue la de la irrupción súbita, violenta, salvaje, de la violencia en la representación.

jueves, 1 de enero de 2009

Otra vez la colección de Mareta Espinosa.




Mareta Espinosa me escribe para reprocharme que en mi comentario sobre su colección de críticos de arte no haya mencionado también la pieza que le regaló en Kassel - donde actualmente reside - el critico de arte alemán Adrian Lebenkunst. Y como su reproche es legítimo, hago ahora algo más que mencionarla: la reproduzco aquí, junto con las que le regalamos Oscar Alonso Molina y yo mismo. Ella insiste, además, en descubrir una misma orientación estética en las tres.
Ustedes juzguen por sí mismos.
( La imágen de arriba a la izquierda es de la obra de Lebenkunst, la del centro es de la obra mia y la de la derecha de Oscar Alonso Molina).