jueves, 29 de octubre de 2009

Francis Alÿs en la abadía.

La exposicion Fabiola de Francis Alÿs, abierta actualmente en la abadia de Santo Domingo de Silos en la provincia de Burgos(28.10.09), se situa en un territorio fronterizo o, mejor, en la borrosa encrucijada en la que se cruzan la autoría, el original, la copia, la serie, el artista, el coleccionista e inclusive el falsificador. Su descripción, sin embargo, es simple: se trata de la exposición en una de las salas del claustro de esta esplendida abadía medieval de mas de trescientas obras - la mayoria pinturas - que son otras tantas versiones de un mismo original: el retrato de Fabiola, una santa romana del siglo VI, pintado en 1885 por el pintor francés Jean-Jacques Henner. Pero esta aparente simpleza pronto se revela cargada - como diría Marx a propósito de la mercancia - de ´sutilezas teológicas´. La primera queda en evidencia cuando se pregunta por el estatuto de esas obras. ¿ Son meras copias o son versiones que, como tales, pueden valer por si mismas, como valen de hecho las muchisimas versiones que los pintores incluidos en el canon clásico han hecho de Adan y Eva o de Cristo y que son reconocidas unanimemente como auténticas obras de arte? Cierto: entre el Cristo de Velázquez y el de Dali median diferencias formales que son mucho mas rotundas que las que median entre cada uno de las obras reunidas por Francis Alÿs durante años de buscarlas en tiendas de viejo, mercadillos, tenderetes callejeros o ventas de jardin a lo largo y ancho del mundo. Pero esta comparacion no anula el hecho de que entre cada una de estas últimas existen diferencias significativas,tanto en términos técnicos como formales,que si no tomamos en cuenta es porque pensamos que no merece la pena el análisis detallado y menos la valoracion de las
diferencias dadas entre obras a las que no les reconocemos el estatuto de obras de arte. ¿ Se lo reconoceremos ahora que, gracias al gesto de Alÿs, esas piezas mas anómicas que anónimas han ingresado en el circulo aureático del museo? ¿ Pero podremos hacerlo? ¿Podremos simplemente ocuparnos de cada una de ellas, precisamente ahora cuando la especificidad de cada una de ellas ha quedado neutralizada por su absorcion por el proyecto Fabiola de Alÿs,
que vale como obra de arte por su totalidad y no por ninguna de sus partes o componentes considerados aisladamente? Si antes estabamos en la disyuntiva entre la copia y la version y la consideracion de los motivos que la explican ahora nos encontramos con la posibilidad real de que dicha disyuntiva haya sido desplazada por la diferencia existente entre el conjunto de la serie y cada uno de sus elementos. Un desplazamiento que tambien obra en el orden de la autoria, porque por la decisión de Alÿs la multitud de interpretes distintos de la partitura visual compuesta inicialmente por Henner ha quedado completamente sumida en el anonimato. Y la decisíon de Alÿs tampoco es todo lo simple que podría parecer porque, aunque él mismo lo niegue explicitamente, se parece como una gota de agua a otra a la del coleccionista, que no sólo consuma el despojo del objeto de su uso - tal como subrayó Walter Benjamin - sino que lo reduce a la condicion exclusiva de objeto de su propiedad. El coleccionista, en realidad, es el poeta de la propiedad.

martes, 27 de octubre de 2009

Los encuentros de Pamplona.en el Reina.

Esta mañana (27.10.09) el auditorio Sabattini del Reina Sofía estuvo tan lleno como solia estarlo durante las ruedas de prensa convocadas por Manolo Borja en su primera etapa al frente de la direccion del museo. Sólo que esta vez contribuyeron al lleno total, tanto o mas que los críticos de arte y los periodistas, los artistas que participaron activamente en esos encuentros de Pamplona celebrados en el verano de 1972 y a los cuales se dedica la expo inaugurada esta misma tarde. Obviamente no estaban, no podian estar todos, porque en aquella oportunidad fueron mas de 300 y porque algunos de los más célebres, como John Cage o Jiri Kolar, ya estan desgraciadamente muertos. Pero entre los presentes en el auditorio estaban el pintor José Luis Alexanco y el compositor Luis de Pablo, quienes, aparte de idear esos encuentros, fueron los esforzados organizadores de los mismos. De hecho Luis de Pablo, en respuesta a la pregunta del público, ofreció una explicacion de porqué y cómo se hicieron unos encuentros que hoy ya son legendarios, que resultó mas vívida y emocionante que las ofrecidas por José Diaz Cuyas - el curador de la exposición - y por Manolo Borja. Estos últimos cumplieron ciertamente con la tarea de informar sobre las características de ese evento y con aportar algunas claves de interpretacion del mismo, pero no lograron responder cabalmente a uno de los jovenes asistentes que preguntó perplejo cómo habia sido posible que un evento dedicado al arte experimental y por lo tanto al pleno despliegue de la libertad artistica se realizara bajo la dictadura franquista. Díaz Cuyas habló de que el franquismo no habia sido un bloque homogéneo y que para esas fechas, además, estaba tocado de muerte y se advertian en el mismo los signos de una descomposicion que ya era irremediable. Podria haber añadido que la politica del franquismo de congraciarse con la vanguardia artística se remontaba a los encuentros de Altamira celebrados a principios de los 50 bajo los auspicios de un jovencisimo Manuel Fraga Iribarne, y habia continuado con el eficaz apoyo del todopoderoso comisario Luis Gonzalez Robles a la generación del informalismo y a la promocion internacional de Oteyza y de Chillida. Y habria podido mencionar, igualmente, el dato muy revelador de que una de las últimas actividades públicas del Caudillo de España por la gracia de Dios habia sido la de inaugurar en 1975 la flamante sede del Museo Español de Arte Contemporñaeo, diseñada por José Luis Fernández del Almo, arquitecto moderno donde los haya. Los encuentros de Pamplona no fueron en realidad una ruptura sino apenas un punto de inflexión en una estrategia cultural de larga duración.

Resistir en Israel

La resistencia a las politicas del Estado de Israel no solo la oponen los palestinos, que son sus principales víctimas. Tambien la agencian los judios que las consideran inadmisibles y reñidas con las mejores tradiciones de ese antiquisimo pueblo. Eso es por lo menos lo que quedó claro al final de la conferencia que ofreció ayer en el Reina Sofia (26.10.09) Sergio Edelsztein, un judio nacido en la Argentina, director de un centro de arte postcontemporáneo que ofrece visibilidad a los individuos y a los colectivos que utilizan las cámaras de fotografia y vídeo tanto para documentar los abusos y atropellos que diariamente comete el ejercito israeli contra los palestinos como para crear sobre este interminable conflicto obras mas elípticas, que cifran su eficacia impugnadora en el uso imaginativo del humor, la ironía e inclusive el sarcasmo. Al primer capítulo pertenecen videos dedicados a la resistencia de los habitantes de una region palestina a la construccion del muro destinado a encerrar a los palestinos en el ghetto mas grande de que se tenga memoria. O a mostrar los grados de hostilidad y el nivel de agresión ejercido por los colonos contra sus vecinos palestinos en una calle de la ciudad de Hebrón. Al segundo capítulo, videos como el del realizador Raafat Hataab, que compone una melancólica elegia del cultivo de olivos, que resulta tan estremecedora como hilarante el video firmado entre otros por Yossi Aita que escenifica en clave de parodia la hipotetica construccion de un estado arabe- israelí en Palestina.

jueves, 22 de octubre de 2009

Toni Negri en el Reina Sofía.

Las previsiones se cumplieron y ya desde las 19.30 se habia formado una larga fila para entrar a escuchar al filósofo Antonio Negri. El otrora teorico del poder operario, el prisionero politico, el exiliado y el autor - junto con Michael Hardt - de ese sorprendente best seller que es Imperio, tiene una extraordinaria capacidad de convocatoria en el mundo del arte, tal y como ayer mismo fue confirmado por el lleno hasta las banderas del viejo y entrañable auditorio del edificio Sabattini del Reina Sofía. Pero el mérito no fue solo suyo sino tambien de Berta Sichel, que con este nuevo ciclo de proyecciones de cine y de conferencias confirma una trayectoria de mas de siete años de programciones en las que habitualmente se han aunado la calidad de la oferta con la respuesta multitudinaria del publico. Y empleo deliberadamente el calificativo de ´multitudinario ´ para el público de ayer porque el mismo fue convocado por un programa que ya en su mismo título incorpora ese concepto decisivo: ´Multitud singular ´. Y tambien lo empleo porque si algo distingue a Negri en la escena de la filosofia europea de las últimas decadas es justamente su dedicacion a re pensar el concepto de multitud para liberarlo del corset de las ideas recibidas y convertirlo en la categoria politica básica de un pensamiento político que pretende a su turno liberar a los movimientos de resistencia al capitalismo y al Estado de los conceptos clasicos de pueblo y de clase. La sesion de ayer, sin embargo, no fue- para disgusto de Fernando Castro Flórez- de exposicion teórica sistemática sino de comentarios y de diálogos. Los comentarios de Negri a la pelicula The Cell. Antonio Negri and the prision, que documenta la larga entrevista que la realizadora Ángela Melitopoulos le hizo a Negri cuando él ingresó de nuevo a prisión en Roma al regreso de un exilio de 14 años en Francia. ( De la misma se proyectaron dos fragmentos ). Y las preguntas fueron de Ángela a Negri y despues del público a Negri. Al final retuve tres ideas de las expuestas por el filosofo italiano: la primera, la importancia que concede a la alegria, a la que considera aún mas importante que el placer tan celebrado por estos tiempos hedonistas; la segunda, que la imaginacion debe cumplir ahora la tarea de imaginar mundos posibles, mundos implícitos en este mundo aunque inhibidos por él; y la tercera, que habría que invertir la formula gramsciana que recomienda el pesimismo de la inteligencia y el optimismo de la voluntad reemplazándola por la del optimismo de la inteligencia y el pesimismo de la voluntad.
Vaya por Dios.

viernes, 16 de octubre de 2009

Sub realismo criollo

O Pop latino. Estos son los términos elegidos por el artista argentino Marco López para intentar definir no tanto lo que él hace sino la realidad que se expone ante la lente de su cámara. De alli que si sus fotografías resultan cursis, chillonas, barrocas, sobrecargadas es simplemente porque él enfatiza deliberadamente lo que tiene delante de su cámara. Esta verdad es evidente en Esquina roja, una foto de 20o3 que hace parte de la muestra Tristes trópicos inaugurada ayer (15.10.09) en la galería Fernando Pradilla de Madrid. Cierto, el rojo que la domina ha sido sobresaturado por López, pero su extensión por todos los rincones de esa esquina anónima de no se que calle de Buenos Aires está en el modelo, al igual que la proliferacion inaudita de anuncios y de lemas pintados a mano. A los países subdesarrollados les faltarán muchas de las cosas que tienen los supradesarrollados menos la pulsión exhibitoria, que resulta tan intensa en los unos como en los otros. Otra pieza ejemplar es Luchador-Arena México, fechada en 2008 y captada efectivamente en ese escenario que el México DF dedica a la Lucha libre, una antigua y auténtica pasión nacional. La imagén del luchador enmascarado es por lo menos tan impresionante como la del mural que adorna ese rincón de ese coliseo deportivo, pintado por el Doctor Lakra ciñiendose al estilo y los códigos visuales que rigen gran parte de la pintura anónima y popular de la América Latina. Y por los que tanta admiracion profesa el propio Marcos López, a juzgar por las fotos de excitante colorido que siempre muestra.

¿ Se venderán las pinturas de Hirst?

Todo parece indicar que no. Que el público y los coleccionistas van a seguir a pie juntillas a los criticos de arte de los principales diarios ingleses - empezando por Rachel Campbell-Johnson de The Times y terminando en Adrian Searle de The Guardian - que lo menos que han dicho de los 25 cuadros - que bajo el patético titulo de No Love Lost. Blue paintings expone ahora en la sede de la Wallace Collection de Londres - es que son ´ endebles y monocordes ´. Y no andan desencaminados: los dichosos cuadros son tan mediocres y se ven tan pobres en las salas renovadas del palacio barroco donde actualmente se exponen (16.10.10) que va a ser difícil encontrar a algún crítico capaz de defender su mas que hipotética calidad artística. Da la impresion de que Damian Hirst ha tocado definitivamente techo y que él - el autor de las mas exitosas operaciones de marketing que haya conocido la escena artistica internacional - ha fracasado intentando la última de ellas. Como el rey del célebre cuento, ha quedado al desnudo su incapacidad de hacer algo bien con sus propias manos. Y no con manos ajenas. ¿ Pero podemos estar seguros de que nadie comprará sus cuadros? Yo, la verdad, no lo estoy tanto. Hirst es tan rico y tan famoso y ha dado tantos golpes de impresionante efecto mediático, que sus cuadros pueden terminar siendo disputado por los mismos coleccionistas que se disputan las reliquias o los despojos de Elvis Presley, de Marilyn Monroe o de Michael Jackson. !Las razones del coleccionismo son insondables¡

jueves, 15 de octubre de 2009

El arte de resistir.

Multitud Singular: El arte de resistir es el titulo de un ciclo de peliculas y conferencias que se inauguró ayer (14.10.09) en el auditorio Sabatini del Museo Reina Sofia de Madrid, con una conferencia de Jonas Mekas, el artista cuyo nombre y cuya práctica artística estan solidamente asociadas a las George Maciunas, el fundador o por lo menos el catalizador indispensable de Fluxus, su atractor extraño. El auditorio estaba abarrotado y la expectativa enorme: por fin la mayoría de nosotros podriamos ver en vivo y directo e intercambiar preguntas y respuestas con una figura legendaria de un cine que para su disgusto todavía se sigue llamando experimental. Y él estaba allí, de pie, delante de nosotros con chaqueta y pantalon muy oscuros o decididamente negros como su sombrero arrugado. Erguido, jovial, irónico, humorístico: no parecía tener los años que efectivamente tiene. Ni la enorme de experiencia de vida de un lituano, víctima de la II Guerra Mundial, que fue liberado por las tropas británicas del campo de trabajos forzados donde estaba recluido y que despues de unas cuantas vueltas mas por el mundo terminó en el Nueva York de los 50, ¨ el lugar oportuno, en el momento oportuno ¨, como él mismo confeso, porque allí se estaba incubando el asombroso despliegue de una transformacion de las artes de la que aún nos beneficiamos y de la todavía celebramos su memoria.
La sesion la abrió Berta Sichel en su inconfundible portuñol, luego intervino Mekas, que saludó en castellano y presento su obra Lithuania and the Collapse of the USSR, advirtiendo que no es una pelicula sobre el colapso de la Unión Soviética sino sobre la forma como los informativos de la television americana cubrieron el periodo que media entre 1989 y 1991, cuando Lituania, junto con Estonia y Letonia, obtiene su independencia de la Unión Soviética, que se precipita entonces en el abismo de su disolución. De hecho la pelicula fue grabada con cámara de video en el salon de su casa neoyorquina por el Mekas y es tan larga su duración - 4 horas, 45 minutos - que Berta decidio proyectarla en dos sesiones, la de hoy y la de mañana. Ayer, en consecuencia, sólo vimos un fragmento de 15 minutos o asi, al final del cual las luces se encendieron de nuevo para permitir que Mekas fuera de nuevo el protagonista de un primer turno de preguntas y respuestas, que se cerro con un pase de unos cuantos episodios de un diario fílmico muy característico de la actitud que rige su trabajo. Y todavía hubo un nuevo turno de preguntas y respuestas, que como el primero fue todo en inglés, y que terminó no porque lo hubieramos querido los asistentes a este magnífico encuentro sino porque Berta nos informó que ya era la hora de cerrar el auditorio y el museo.

El fin de la civilización del automovil.

Veo en el taller de Mareta Espinosa los impactantes cuadros de la serie dedicada a los cementerios de ruedas de automóviles que ahora está pintando y no puedo menos que pensar que entre todos componen una elegía de la civilizacion del automóvil. Una civilizacion condenada no sólo por el catastrófico cambio climático que se nos echa encima y el agotamiento de los combustibles fosiles sino tambien por la magnitud de su extraordinario éxito. Es tan desmesurado y tan aparentemente imparable la expansión del automóvil que ya aparece en el horizonte de nuestras expectativas un colapso apocaliptico: todos moriremos atrapados en una atasco descomunal, infinito, ingobernable, del cual nadie, ni nuestra policia ni nuestras ambulancias, ni siquiera nuestros ejercitos, podrán librarnos.
El contraste con estas inquietantes imagenes apocalipticas lo ofrece la exposición Auto. Sueño y materia que llega al Centro 2 de mayo de Móstoles (09.10.09) procedente de Laboral, el espacio dedicado en Gijón al arte y las nuevas tecnologías. Esta es una mega exposicion que reune a cerca de 70 artistas de la escena internacional que dan forma en sus obras a los deseos, las fantasías y los delirios de las que los coches han sido y son vehículo. Y nunca mejor dicho. El fin de la civilizacion del automovil tambien lo será de la insólita Atlántida imaginada por nuestros mas imperiosos deseos.

The subjecters de Thomas Hirschhorn

Thomas Hirschhorn ha traido a la Casa Encendida de Madrid (08.10.09) los maniquies que expuso inicialmente en unos escaparates de las legendarias Galerias Lafayette de Paris y que sometido a unas manipulaciones agresivas que han convertido a esos paradigmas de la belleza media, estadistica, neutral, en auténticos monstruos. Cierto, no todos estan atravesados de parte a parte por enormes boquetes, ni estan completamente cubiertos de clavos pero los que se libran de agresiones tan desmedidas están intimamente contaminados por el clima creado por esas agresiones. Inclusive los que son simplemente bustos de resina sintética con los organos internos expuestos, utilizados normalmente para enseñar anatomía, tambien contribuyen a generar esa atmosfera atroz. El titulo de la exposición The subjecters, Los subjetivadores, remite a las intenciones de este artista suizo, comprometido con la promoción de formas de subjetivación claramente diferenciadas del individualismo actualmente hegemónico, que encarna paradojicamente en los maniquies utilizados en los grandes almacenes y en las tiendas de ropa. A él esta forma de subjetividad aparentemente le resulta monstruosa y para que compartamos su percepcion de la misma destroza maniquíes y los expone crudamente a nuestra miradas. Y para que reflexionemos en profundidad sobre lo que suponen los maniquies en nuestra cultura los entrelaza entre sí y pone sobre la frente de muchos de ellos - como si fueran lemas comerciales, términos como Hope, Love o Truth - tan encarecidos por los bienpensantes. Y los asocia, además, con las horribles imagenes de víctimas de crímenes y de atentados que nos ofrecen regularmente los media.

viernes, 9 de octubre de 2009

Un fracaso de Joëlle Tuerlinckx

Lo acepto de antemano: exponer en el Palacio de Cristal de Madrid es una tarea ímproba, un desafío ante el que han fracasado artistas tan solventes como Nacho Criado o Gabriel Orozco, para mencionar solo a dos de los artistas cuya obra mas me atrae. El Palacio es un espacio singularmente hermoso y exigente que parece bastarse por si mismo, como se bastaban a sí mismas las diosas griegas representados por los mejores escultores del neo clacisismo que tanto fascinan a Jacques Ranciere. Y de alli la insoslayable amenaza de fracaso que pende sobre la cabeza de todos los artistas que se atreven a intervenir en él y que ciertamente ha caido sobre la cabeza de la artista Joëlle Tuerlinckx, la artista belga que hoy (09.10.09) inauguró una intervencion en el mismo. Se llama muy pomposamente Crystal Times y está articulada por dos haces de rayos de hilos de nylon y un tercero de finos tubos de plástico transparente, tres brújulas puestas directamnte en el suelo y una cuarta dispuesta sobre una mesa antigua encerrada en una urna de metacrilato. Hay ademas, una escalera de mano, un tabla doblada, unos pilares de balustrada y algun otro chilindrín que se me escapa. Pero el conjunto, la verdad, no tiene un pase. Por mucha invocacion e la poesía, el vacio, la contención, la sutileza, el humor y la propia sensibilidad que haga en su defensa Lynne Cooke, la comisaria de este inocultable fracaso.

! Salvemos las marcas ¡

La verdad es que no está nada mal Pop life: Art in material World, la exposicion que Catherine Wood ha curado para la Tate Modern de Londres (01.10.09). Hay en la misma obras y artistas con suficiente brand como para que hasta el visitante mas desprevenido termine enterándose que el mundo del arte internacional hace ya un buen rato adoptó el star system y que los artistas que ocupan los primeros lugares en el mismo no sólo son como cualquiera otra de las las estrellas de la pop culture sino que han llegado a serlo porque se propusieron con ahinco desde el comienzo de sus carreras convertirse en una de ellas. Como se lo propuso Warhol y como se lo han propuesto igualmente Jeff Koons y Damian Hirst, para citar solo a tres de las marcas mas reconocidas y aclamadas del momento. La Wood ha querido, ademas, no solo dejar constancia con esta exposicion de la definitiva sustitución de la obra de arte por el artista y de este por la marca que encarna y sobre todo anima, sino que ha querido que se reflexione sobre este singular sustituismo organizando un seminario paralelo, en cuya lista de ponentes se mezclan los artistas y los filosofos con agudos analistas del mundo financiero, como no podía ser de otra manera. Lo que no sabemos, en cambio, es si entraba en sus planes que agentes de la brigada de publicaciones obscenas de la policía metropolitana de Londres visitaran la exposiciòn antes de su inauguracion, la revisaran de arriba a abajo y retiraran de la misma Spiritual America, una obra de Richard Prince fechada en 1983, con el argumento de que es inadmisible su exposicion en público debido a que en el centro de la composición de la misma aparece la imagen de Brooke Shields desnuda y cuando aún era menor de edad. Pero en definitiva carece de interes aclarar si Catherine Wood llamó o no a la policía porque lo verdaderamte importante es que intervencion de la misma puso en escena en la mismísima Tate Modern el papel crucial que han cumplido y cumplen la provocacion y el escándalo en la forja y la promoción de las marcas artisticas. Eso lo han sabido bien Warhol, Koons, Hirst y Dali - el auténtico maestro de todos ellos - y la performance de los esforzados agentes británicos de la ley ha sabido ponerlo de nuevo en evidencia con una contundencia con la que difícilmente han podido competir los sabios ponentes convocados por Wood a su seminario. ¿ O es que hay algún escandalo que valga la pena que lo sea sin la intervencion de la policía ? Pero no sólo deberian estar agradecidos por la intervención de los brigadistas Wood, la Tate y los artistas representados en la expo. También tendrían que estarlo los publicistas del mundo que tienen hoy a su cargo la penosa tarea de salvar las marcas del desafecto de un público consumidor acogotado por la crisis mundial. La poderosa repercusion mediática y los inocultables beneficios publicitarios derivadados de la censura de la obra de Richard Prince, les habrá refrescado todos ellos las ideas.

martes, 6 de octubre de 2009

El enredo de Kounellis.

Jannis Kounellis ha venido a Madrid y ha realizado una instalación en la sala Abiertoxobras del espacio cultural Matadero(03.10.09) tan simple que a simple vista puede resultar simplista. Y sin embargo, no lo es tanto. Valiéndose de una gruesa cuerda blanca, ha atado entre si la mayor parte de las columnas que sostienen esa sala ennegrecida por un antiguo incendio, para formar un laberinto o una maraña. Y sobre el centro de esa maraña de cuerdas ha colgado un riel que sujeta en su extremo inferior un reluciente y amenzante cuchillo de carnicero. ¿ Es esta la imagen mas actual de nuestras vidas? ¿ Es acaso la alegoría mas apropiada de la forma tan terriblemente confusa como se nos aparece hoy la crisis sistémica del capitalismo que en cualquier momento puede abrirnos de un tajo la cabeza? ¿ O se trata simplemente de que yo mismo estoy tan enmarañado que en la instalación de Kounellis veo un enredo laberíntico y no el nudo gordiano del que todos podríamos librarnos con un solo tajo? El tajo de la decisión, justamente.

Perejaume en el CAB de Burgos.

Paisajista y poeta: estas dos calificaciones se me han venido de nuevo a la cabeza viendo Imagenes proyectadas , la exposicion de Perejaume inagurada en el CAB de Burgos el viernes pasado(02.10.09) Estas dos palabras dicen, sin embargo, poco sino se mencionan algunas caracteristicas mas de la obra de quien lleva tres décadas en la brecha, y que son confirmadas en esta exposición, pese a que la misma sea apenas una selección de las obras que él ha realizado con imágenes en movimiento a lo largo de su carrera. Perejaume es un artista del intercambio efectivo, corporal, materico si se quiere, entre el paisaje como género pictórico y los parajes naturales que la pintura suele encuadrar y traducir a sus propios términos. En Burgos hay dos ejemplos muy conocidos: Cerro de Otero - una video proyección de 2004 - en la que lo que no parece mas que la imagen fija de un paraje de repente se amina, cuando salen de su escondrijo una multitud de personas que hasta ese momento se ocultaban en los arbustos. Y Gustave Courbet, una video proyección de 2000, en la que la imagen muy estática de una manada de ciervos pastando está firmada por Courbet, el maestro de la pintura a plein air. No son estas obras, sin embargo, las que mas me interesan: prefiero Piano -xofer, una instalación fechada en 1984, compuesta por seis monitores en linea que emiten de manera consecutiva un video rodado desde un tren en marcha. Aqui tambien hay paisajismo pero no el paisajismo quieto de la pintura sino el paisajismo en movimiento al que nos han habituado el automovil y el tren. Lo sorpredente es la solución que da Perejaume a esta cita de nuestra experiencia genérica: hace acompañar el curso fugitivo de las imágenes con un recital de piano y cierra, ademas, la emision con la bajada de un telón ostensiblemente teatral. De esta manera él avanza o evoca la tesis de que toda representación, incluida la que es característica del paisajismo pictórico, es teatral. Cierto, tambien podría interpretarse al revés: la musica - arte del tiempo - induce en el oyente la visión de un paisaje mental que, como la propia musica, está en movimiento.
Como poeta Perejaume expone una pieza muy elaborada: Assaig de mimologia forestal, una video proyección de 24 minutos de duración concentrada en un claro del bosque y sobre cuya imágen se van sobreponiendo los versos de un larguisimo poema dedicado al espíritu de los arboles. Digo, si es que los árboles aún lo conservan, como supongo que todavia lo cree Perejaume. Pero, de nuevo, mi preferencia se inclina por otra obra, que me seduce precisamente por su radicalismo. Se titula Obres completes, es de 2004 y deja fluir tres textos distintos que nos informan de los títulos de las obras completas de tres poetas: Joan Vinyoli, Segimon Serralonga y Ángel Crespo. El punctum lo pone la banda sonora que acompaña el termino de la emision de los datos sobre cada poeta con una descarga vocal, tan breve como atronadora. Es la de un coro entero de voces, cada una de las cuales canta una de las múltiples vocales que componen los titulos de las obras escritas por esos poetas. Esto si que es poesía acústica llevada al extremo de la anulacion del dis-curso de la propia poesia.